Magín Blanco está pasando por un momento de creación exuberante, no para de componer, grabar y colaborar en diferentes proyectos. Este nuevo disco nos trae al Magín que ya conocemos, pero, como su preciosa portada refleja, con más colorido, con más ganas de valorar y disfrutar de las cosas que le rodean, con mayor seguridad y lucidez. Si en "ella" predominaban el blanco y negro junto con el sepia rodeado de suaves matices y tonalidades, en "realidad" sigue el blanco y negro como base, pero cubierto por vivos brochazos de color que salpican todo el disco, desde las canciones hasta el inspirado diseño ("del rojo pasión al verde esperanza, del azul tristeza al violeta ideal").
Esta obra me transporta a los cada vez más olvidados momentos en que el mirar, tocar y oler la portada, contraportada e interior del libreto formaban parte del goze de escuchar un disco; la música es muy importante, pero aumenta el placer el saberte acompañado por la chica con pies gigantes en su viaje hacia Monterey, para tocar la pandereta con su grupo las mamas y los papas; o el enterarte que Manolito (ahora Manuel) quedó traumatizado por la cruda respuesta de una moza un día de San Roque.
Magín vuelve a dar lecciones de sensibilidad, de emociones a flor de piel, nos cuenta historias oníricas y reales a un tiempo, sencillas y profundas, mitológicas y canallas, de amores y desengaños, de miedos y recuerdos, con elementos de la naturaleza siempre presentes en sus letras, con una modestia y humildad que lo hacen todavía más grande.
Si algún "pero" podemos ponerle a este nuevo disco sería en el apartado instrumental, maravillosamente ejecutado y con eficaces arreglos, pero demasiado ceñido en ocasiones a patrones conocidos y carente de riesgos..., aunque ello no empaña en ningún momento la fuerza emotiva que la obra desprende de principio a fin.
"Soy la carroña y tú la hiena,
los dos sabemos bien donde nos quema.
Pero aún así quiero vivir
la vuelta de otra primavera.
Pero aún así quiero seguir
aquí en medio de la escalera".
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ENTREVISTA
- Repiten Pepe Losada, Segundo Grandío e Isaac Palacín. Da la impresión que por fin has encontrado el sonido y los músicos que te hacen sentirte a gusto con lo que haces. ¿Sueño hecho realidad?
M.B.- No sé si encontré a los músicos de mi vida, lo que si sé es que es un placer poder tocar con ellos, me facilitan mucho las cosas, aunque a veces podamos parecer AOR por cuestiones de producción, tengo muy claro que el resultado debe gustar también a la compañía que es quien lo tiene que vender, yo hago canciones e intento que suenen como a mi me gustaría, pero luego cogen vida propia y van un poco por donde entre todos las podemos llevar. Llegamos al estudio y empezamos a grabar sin premeditaciones ni alevosías, salvo las mías porque de alguna manera soy el único que las tiene en la cabeza todo el rato.
- ¿Cuánto hay de biografía y cuánto de invención en tus letras (cada día más inspiradas)? Considero que tienes una capacidad especial para hacer personal todo lo que cantas, y ya si hablamos de “El corazón de los pájaros”, “Sus cosas”, “La escalera” o “Revelación” parece imposible que no sean vivencias propias.
M.B.- Por supuesto que la base de todas las canciones es autobiográfica, lo que pasa es que procuro ir de lo particular a lo general y darles vida propia, no que parezcan parte de mi vida.
- ¿Cómo surgió la colaboración de los “Mañufe Horns” añadiendo esos maravillosos metales en “Sus cosas”?
M.B.-Yo buscaba un arreglo cool tipo Terry Callier y casi se consigue, por otro lado también suena un poco Pekenikes, así que vuelvo a entroncar con la historia del pop español como quise hacer con Gloria Vainica.
- Más que en ningún otro trabajo, en este último haces alusiones frecuentes a la luz. ¿Como contraposición a pasados momentos de intensa oscuridad?
M.B.-Desde el principio tuve clara la idea de hacer algo más luminoso, colorista y real que el disco anterior que era más platónico y naif , aunque conserva ese espíritu de cuento la historia de la chica de los pies gigantes.
- El tema “La fiesta” lo habías presentado (en gallego) para el concurso “A polo ghit ” ¿Coméntanos la decisión de incluirlo en este disco y por qué lo has traducido?
M.B.- "La fiesta" ya estaba grabada y mezclada en castellano tal y como aparece en el disco, cuando surgió la idea de mandarla a "apologhit", entonces sólo hubo que grabar la voz en galego.
- En esta ocasión has decidido hacer una curiosa versión (llevada a tu terreno de modo magistral) de la ranchera compuesta por José Morante “Mi borrachera” ¿Qué te ha llevado a elegirla?
M.B.- "Mi borrachera" la hacíamos en directo Pepe y yo desde hace tiempo, también tengo una versión ampliada en letra por mí de una canción que se llama “libro abierto” que se la oí a los Blazers, un grupo de los Ángeles así tipo Los Lobos, tal vez algún día la pueda grabar, tiene esa ingenuidad de lo popular que sonrojaría a cualquiera que escribiera algo así ahora.
- La presentación del disco “realidad” es de auténtico lujo (visual y emocional). Se nota el cariño no sólo por la música, sino también por el envoltorio, el mimo y encanto del diseño y los detalles ayudan a disfrutar todavía más de los temas. Háblanos de la colaboración de Camilo Franco (a quien has acompañado con la guitarra en la presentación de su libro “Palabras contadas”) en las originales historias del libreto sobre las canciones, así como de la interesante relación de cada canción del disco con temas clásicos de Neil Young, Bob Dylan, Tom Waits, Lucinda Williams...
M.B.- Todo el tema de los relatos surgió de mi colaboración con Camilo, primero el cuento y luego los "contrarrelatos" como yo les llamo y lo de ilustrar todo pues vino a cuento de hacer la cosa lo mas rica posible.
- En el interior de la portada se anuncia que los textos son de Camilo Blanco y de Magín Franco: ¿Es un error de imprenta o una mezcla de nombres buscada e intencionada?
M.B.- No hay error de imprenta lo que hacemos es jugar a los heterónimos para incentivar la curiosidad.
- Ya ha salido el vídeo de presentación del disco “Hielo sobre hielo”. Creo que va a salir otro dirigido por Antón Reixa (“realidad”). ¿Qué nos puedes contar sobre su realización? ¿Has quedado satisfecho con el resultado?
M.B.- La idea del video pues puede ser bonita pero no deja de ser algo doméstico, pero bueno aquí todo es "feito na casa", el video de "realidad" que hizo filmanova aún no lo vi, allí ya habia director de fotografía, maquillaje y todo eso, así que espero que esté mejor.
- Creo que ya estás pensando en grabar un disco junto con Burgas Beat (ex-Cosecha Roja). ¿Qué nos puedes adelantar de tus proyectos futuros?
M.B.- En enero empezaremos a grabar el disco conjunto con Burgas Beat y luego tocaremos juntos pues yo no tengo banda, creo que va a quedar muy chulo, ellos tienen grandes canciones y están en muy buen momento y yo pues también.
- Y como regalo las clásicas recomendaciones: 3 discos que te hayan marcado, inspirado o hecho disfrutar especialmente, 3 libros y 3 películas.
M.B.- Discos: cualquiera de Ross, “Rayny Day Music” y “About Time” de Steve Winwood, de libros sé muy poco y las pelis de Lars Von Trier, “Heart of Gold” y “No Direction Home”.
"El corazón de los pájaros"
"Yo tuve su corazón en mis manos.
Lo encontré en un callejón, asustado.
Lo cogí con la intención de cuidar su bom bom bom,
de quererlo, de mimarlo.
Al llegar de trabajar lo miraba,
me sentaba junto a él y le hablaba
de planetas y de luz, de cometas y quietud,
de emociones, de canciones.
Pero un día al despertar ya no estaba,
había echado a volar por la ventana.
Y yo tanto lo extrañé que empecé a palidecer,
no comía, me moría.
Por las orillas del mar doy paseos,
y voy mirando hacia atrás por si lo veo.
Sabe Dios donde andará, sé que nunca volverá.
Y me pierdo en su recuerdo.
Ahora mis ojos no ven, son lagunas.
Y en mi pecho ya no hay vida alguna.
Sólo me dejo llevar en mi barco de cristal
a la deriva por la vida.
Yo tuve su corazón en mis manos...
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Vídeo de la canción dylaniana "Hielo sobre hielo" (del disco"realidad"-2007)
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Por fin podemos escuchar y tener noticias de Magín en su nuevo Myspace
Un debut discográfico con la personalidad suficiente como para pasar a la historia, claro que no es perfecto, no necesitamos la perfección, necesitamos creadores que lo den todo, que aporten ideas nuevas y luchen por mejorar, y aquí se ven grandes ideas, grandes canciones y grandes interpretaciones, y lo mejor de todo... te dejan con el sabor de boca de que todavía pueden dar mucho más de sí... que más se puede pedir...
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Clicks de LP como inicio de su primer cd,
cd doble... la duración del LP es más lógica.
El recuerdo, la nostalgia, la pérdida, la tristeza,
rodeados por un muro de esperanza.
Detrás del muro está el álbum soleado.
La luz no se ve, está dentro de cada canción,
necesitas cruzar el sonido para verla,
necesitas desnudarte para poder entrar.
El amor no existe, la amistad no existe,
la alegría no existe, la depresión no existe,
a menos que tú los encuentres.
Los sueños no existen, las estrellas no existen,
el día no existe, la pena no existe,
a menos que ellos te encuentren a tí.
Las teclas y las cuerdas, pura brujería y hechizo;
las distorsiones y el ritmo, canalizando rabia liberada;
la voz volando libre, alcanzando alturas de vértigo,
(excepto en contadas ocasiones
cuando lucha por pertenecer a su dueño,
debatiéndose entre admiradas influencias
y miedo a parecer débil).
Salta la aguja, otra vez me han engañado,
entre sueños me han llevado a los días del vinilo,
las portadas, los fanzines, los amigos olvidados...
..los amigos recordados.
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Información sacada de su MySpace:
BANDINI fue formado en Madrid a finales del 2003 por Ricardo Ruiz, escritor de canciones, cantante y guitarrista madrileño. Este primer disco fue grabado y mezclado en los estudios Rocksoul por Carlos Torero hace un año. La masterización corrió a cargo de José María Rosillo. Del diseño se ha encargado Pepe Hernández (Grupo Salvaje). El disco está integrado por 14 canciones y tiene un formato de doble cd, inspirado por los antiguos vinilos. Contiene un libreto con las letras, que están acompañadas por las fotos realizadas por Nano Hernández.
Este disco ha sido el que más veces he escuchado durante las vacaciones de este verano. En la playa, de paseo o en la cama. En cada momento ha logrado transportarme a diferentes paraísos personales.
Cargado de filtros que eliminan impurezas externas, desde que suena suavemente el primer acorde, un microclima mental me arrastra por pensamientos, imágenes, sensaciones y emociones cargados de intimidad.
Prefiero hablar tan sólo del alma de este disco, despreocuparme de cuantos componentes quedan de Mercromina o de Surfin Bichos, de los nombres que están detrás de las voces, la grabación o los instrumentos. Son canciones que respiran tanta vida y sensibilidad que caminan y enamoran por si mismas, lo importante pasa a ser la música y no quien la ejecuta (algo que debiera suceder mucho más a menudo). Hay delicadeza que sabe rascar los picores, pianos que curan las heridas, susurros orgullosos de ser débiles, palabras que acarician y palabras que duelen; hay timidez y valentía, amor y grietas, lluvia y colores, hielo y fuego.
Distorsiones que te amarran al suelo,
coros que te elevan al cielo,
cuerdas que te atrapan,
vientos que se escapan
Sueño y realidad
en mágica armonía.
Mentira y verdad,
dolor y alegría.
Hermosos vencidos
en tierra de nadie,
cazando latidos,
nadando en el aire.
Amor y recuerdos,
silencios y olvido,
locos y cuerdos
buscando estar vivos.
“Estuvo toda la noche lloviendo a mares...
Puede que yo me durmiese, no me enterase”
Travolta - Telescopio
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INFORMACIÓN - DISCO
Grabado y mezclado en los estudios de Paco Loco en el Puerto de Santa María (Cádiz), durante los meses de septiembre y octubre de 2006.
Producido por Paco Loco y Travolta.
Masterizado por Greg Calbi en Sterling Sound, New York, en noviembre de 2006.
Travolta son:
Joaquín Pascual: Guitarra, piano, rhodes, melotrón, percusiones y voces.
Carlos Cuevas: Baterias, percusiones y coros.
Ana Galletero: Violin,bajo, organo, rhodes y voces.
Francisco Cuerda: Guitarra y coros.
José María Castillo: órgano, rhodes, piano, coros.
Colaboraron en este disco:
Chema Ciudadano: guitarras, banjo, timple, rhodes y omnichord.
José Manuel Mora: bajo
Muni Camon: coros.
Paco Loco: guitarra
Este mes se ha publicado el nuevo trabajo “Las otras vidas”. Opino que desde que Abel Hernández ha empezado con el proyecto de El Hijo, todas sus obras forman parte esencial de la historia de la música en nuestro país. En esta entrega nos ofrece nueve canciones cargadas de magia, otra vez editadas por el exquisito sello Acuarela , y con la presencia habitual, a la vez que crucial, de Raül Fernandez, Xavi Molero y Kieran Stephen. Ha desaparecido el factor sorpresa tan impactante del primer EP, pero siguen intactas las ganas de avanzar, de añadir pequeños detalles enriquecedores, respirando en cada nota el esfuerzo por seguir su propia senda, por lograr un lenguaje propio y novedoso sin olvidar el pasado, teniendo la emoción como norte y una sinceridad valiente como motor.
Me he puesto en contacto con Abel Hernández a través de internet y gracias a su gran amabilidad he recibido uno de los mejores regalos de este año cuando me ha contestado la entrevista que le he enviado, en la que expone intersantes ideas y anécdotas, nos habla del camino por el que transita actualmente, y nos revela valiosos detalles sobre este gran disco.
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Entrevista
Sin Máscaras Ni Protecciones
¿Tiene algo que ver el título de este disco “Las otras vidas” con la novela del mismo título de Clara Obligado?
Ni sabía que había nada con tal título ni tampoco quién es Clara Obligado. ¿Es buena?
(Clara Obligado: escritora argentina, residente en Madrid desde 1976, publicó el año pasado la colección de relatos "Las otras vidas". Luego me comentaría Abel que hay otro libro con el mismo título de Antonio Muñoz Molina de 1988, y que nada tiene que ver tampoco con este disco).
Opino que por fin están surgiendo en nuestro país, desde diferentes flancos, músicos que han perdido el miedo a la tradición, que creen que la riqueza no sólo está en lo anglosajón, y que el rock no tiene porque evitar continuamente la cultura más cercana. Encuentro giros, frases y maneras de cantar en este disco que me retrotraen a diferentes épocas de la música española, algo imposible de conseguir si no existe una intención clara. ¿Estás de acuerdo con esta apreciación, y hasta que punto estás interesado en seguir investigando en esta dirección? ¿Ha resultado complicado acomodar la voz a los nuevos giros?
Sí. Totalmente, José. Creo que hay mucho campo por recorrer y un pasado, siempre reflejado en el presente, lleno de riquezas. Se le ha prestado quizá poca atención durante años. Estaban ahí pero... Mi intención es andar por él y de vez en cuando usar lo que encuentre enterrado. Tengo que decir que desde que comencé con esto de El Hijo, a priori me interesa siempre más cualquier música de ahora que se haga en castellano e intente buscar un camino propio con las letras y la voz. En cuanto a mi caso, ciertamente ha sido algo complicado llegar a cierto nivel de naturalidad e interpretación en castellano. El algodón no engaña. Escribir y cantar en inglés era como llevar una de esas protecciones de portero de Hockey sobre hielo: entorpecía los movimientos pero me permitía jugar sin demasiado riesgo. Cuando cantas lo que escribes sin máscaras ni protectores te das cuenta de lo que te falta haciendo canciones e interpretándolas. Ahora me encuentro cómodo y confiado pero se trata de seguir buscando.
Si bien siempre has tendido hacia un lenguaje universal y natural, escapando de palabras más o menos ‘modernas’ o caducas, en este disco hay un tono claramente medieval en la mayoría de los temas. Aunque las canciones se sostienen perfectamente de modo independiente ¿Te lo has planteado como un disco conceptual?
Bueno, he tenido la necesidad de usar un registro menos coloquial más chispeante y surreal, quizá, pero para hablar de un hoy y un ahora. No ha habido ninguna intención conceptual. Más bien al contrario, he intentado tratar a cada canción por separado de principio a fin. Pero siento como si hubiera encontrado cierto lugar que me ha ido seduciendo y se ha adueñado de lo que iba escribiendo. Aunque no sabía muy bien lo que pasaba dentro del proceso es como si las canciones sí lo supieran. A medida que iban saliendo tuve la sensación de que podía conectar muchos de los temas del disco sin esfuerzo. Intenté evitarlo o, al menos, no forzarlo, pero al final han surgido vínculos, personajes, lugares, ambientes en común entre ellas. Es un poco algo que trato de decir en la canción Bosques son.
Notándose claramente que todo está muy pensado y trabajado, hay una parte en la música de ‘En Medio del Llano” que me deja descolocado, sobre todo después de cantar “en la tarde sin tormenta” con los “extraños” acordes de piano. (¿Cuál ha sido la intención al tocar estas notas tan disonantes?).
No sé muy bien a qué te refieres pero eso lo ha tocado Raül. A mí no me suena raro en absoluto. Más que pensadas, te diría que las canciones sí están en general trabajadas durante tiempo. Más reposadas y curradas que muy pensadas. Y en cuanto a la manera de tocarlas, tampoco se han pensado mucho. En realidad el disco se preparó (el ver qué iba a tocar cada uno y qué rollo le dábamos a cada canción), se grabó y mezcló de forma muy rápida y fresca: dedicando apenas una semana a cada cosa. Es un disco poco producido y muy del momento.
El disco ha sido grabado en los estudios de Paco Loco en el Puerto de Santa María. Toda la gente que por allí pasó suele coincidir en el maravilloso trato de Paco y Muni. ¿Que nos puedes contar de tus experiencias durante la grabación? ¿Y de la masterización por J.J. Golden en California?
Fue un placer grabar en el estudio de Paco, por él y Muni, por lo bien que lo pasamos. Fue una grabación bastante plácida. Estamos muy contentos con la masterización que ha hecho JJ Golden. Realmente en Las otras vidas ha habido una combinación muy curiosa de grabación con ese punto más analógico y oldie que consigue Paco, una mezcla muy de ahora con un bestia de la mezcla digital como es Jordi C. Corchs y el mastering profesional, mesurado y muy americano de Golden.
Opino que el sonido de este trabajo es menos rock y más folk, más luminoso, cristalino y limpio, menos oscuro ¿Has quedado plenamente satisfecho con el resultado final?
Plenamente satisfecho nunca se queda uno pero sí he quedado muy contento, de las veces que más lo he estado con un disco. El sonido es más luminoso a veces. También tiene zonas oscuras. De hecho creo que casi todo sucede en penumbra. Creo que El Hijo hasta ahora no ha sido muy rock en ningún momento. El rock se asoma en algunos momento por entre bambalinas. Me parece que tiene algo de folk y de folk-rock, si quieres, también algo de un pop hispano y psicodélico bastante sesentas y setentas. Aunque el resultado es un sonido actual.
De nuevo has contado con las colaboraciones de Raül Fernández, Xavi Molero y Kieran Stephen. ¿Consideras El Hijo como algo personal o más como un proyecto de grupo?
El Hijo es mi rollo pero lo de Raül, Mole y Kieran no son colaboraciones. Los tres andan conmigo el camino y me ayudan a andarlo. Son músicos de pleno derecho en el disco y en los directos. Además Raül ha llevado el peso de la producción artística, lo cual es muy importante.
¿Crees que has arriesgado demasiado al intentar desmarcarte claramente de tus anteriores proyectos? ¿Has dudado antes de hacerlo o tenías muy claro lo que querías? ¿Hay alguien a quién culpar por animarte o empujarte en esta dirección?
No he intentado desmarcarme. Sólo hacer mi camino.
¿Ves duradera y te encuentras realizado con esta nueva fase o te atraen más los cambios y piensas que pronto elegirás otro camino para investigar con diferentes sonidos y ritmos?
La veo duradera. Como te digo, es el camino que estaba buscando para andar. No descarto otras aventuras pero sí apartarme de él. En todo caso el sonido de El Hijo tampoco es algo fijo. Pueden existir canciones de El Hijo con diferente rollo, imagino que siempre dentro del Rock y el Pop, así con mayúsculas, para que nos entendamos.
¿Con qué parte del proceso sueles disfrutar más: en la composición, en la grabación o en las actuaciones en directo?
Disfruto del momento en que algo que no existía, comienza a existir. Normalmente eso ocurre con más frecuencia y más fuerza durante la composición pero muchas veces también pasa ensayando, tocando en directo y grabando, claro. Por ejemplo, Conmigo a tu vera es uno de esos hijos tardíos e inesperados. Salió de la nada en los últimos días de la grabación en Paco. Durante esos días en Cádiz le daba vueltas a varias ideas que por sí mismas no terminaban de funcionar. Las fui juntando y salió algo interesante. Después se lo enseñé a los chicos e inmediatamente empezamos a tocar la canción casi tal y cómo fue. Dimos un par de pasadas y terminó de salir. Cada uno sabía lo que tenía que tocar. La letra tuve que escribirla en los pocos días que hubo entre la grabación y la mezcla. También a partir de tres o cuatro frases que tenía escritas por separado di finalmente con ella. En el estudio de mezclas la acabamos de cantar y aún surgieron arreglos como esos coros fantásticos que metió Raül. Al final, mira, hasta es la canción del primer videoclip.
¿Sueles romperte más la cabeza con las letras o con la música? ¿Alguna canción en este disco que se haya resistido especialmente hasta darla por finalizada?
Con las letras., definitivamente. La de Vals de los besos, una de mis favoritas, ha sido una letra que he escrito y reescrito muchas veces. Al principio intentaba contar una historia de amor entre dos jóvenes soldados nazis, uno que creía en Dios y otro que no. Era una canción inviable. La fui cambiando, puliendo, etc. pero estuve a punto de descartarla muchas veces. Igual podía haber salido en un día como Los reyes que traigo.
¿En qué está basado el nombre de "El Hijo"?, ¿algo que ver con la película belga de Jean-Pierre y Luc Dardenne?
Nada que ver. Aunque había visto la película y me había gustado pero no lo tuve en cuenta al elegir el nombre. Me gustó por otras razones. Por motivos personales y motivos puramente estéticos, si se quiere.
Encuentro en tu música una gran capacidad para evocar imágenes ¿Te atrae la idea de componer una banda sonora?
Justo ayer terminé la banda sonora de un corto muy bonito que se llama “El talento de las moscas”. Ha sido mi primera experiencia y he trabajado bastante en ello. Ha sido algo complicado por lo que tiene de medio diferente y de trabajar para la imagen y el sentido de una narración y un mensaje ajenos. Pero repetiría seguro. Es chulo.
Aunque del sonido de El Hijo, como decía antes, no soy responsable único.
Echando un poco la vista atrás: ¿cómo empezaste a sentirte atraído por la música?
No sé, siempre me ha encantado. Desde muy chaval. No recuerdo un momento particular. Recuerdo que ya a veces cantaba en el patio del colegio y que pasaba muchas horas junto a un radiocasete Grundig (el único aparato de música que hubo en casa durante muchos años) oyendo programas de radio fórmula (entonces aún había bastante calidad en la música comercial) y atento con rec - play pulsados y el dedo en el pause para hacer cintas-monstruo. La primera vez que me llamaron la atención por “cantar bien” sería con 14 o 15 años, unas compañeras de clase. Creo que aún no me había cambiado la voz.
La lista de influencias que puede leerse en tu myspace se caracteriza por ser de las más extensas y eclécticas. Voy a proponerte un acto de concisión: si tuvieras que quedarte sólo con 3 influencias fundamentales para ti, ¿con quiénes te quedarías?
Dylan, Beatles, The Velvet Underground y satélites.
Ojalá todo te vaya saliendo como deseas y... podríamos acabar con una pregunta muy general y muy clásica: ¿Consideras que el pop-rock está agotado y la mayoría de las cosas que se hacen son puro reciclaje, o más bien que, como toda evolución, se van dando pequeños pasos sólo apreciables a largo plazo?
El Rock es el único lenguaje que puede salvar a la especie
FIN
El Hijo - Vals de los besos
P.D.: Esta entrevista se publica al mismo tiempo en el extraordinario y ya clásico Web-Magazine de Rock 'Computer Age', gracias a la buena disposición de su creador, Luis.
2ªP.D.: Sin duda Raül Fernandez 'Refree' es también uno de los grandes y una de mis debilidades desde hace tiempo. No creo que tarde en escribir algo sobre él.
(publicado 15 Marzo 07, borrado por error y vuelto a subir)
(Acuarela, 2005)
Abel Hernández, después de sus experiencias en grupos tan importantes e interesantes como Migala y Emak Bakia, decide emprender una nueva etapa, más personal e íntima, con este proyecto. Si hasta ahora las bandas en las que ha participado ya se caracterizaban por la búsqueda de caminos poco transitados, ha llegado a un punto del recorrido en el que ha sentido la necesidad de abrir por su cuenta una nueva ruta, introduciéndose en la maleza con las fuerzas, las ilusiones y los instrumentos necesarios para construir su propio camino y descubrir nuevos horizontes.
Lo único que os puedo asegurar es que he visto de lejos un trocito del espacio desbrozado y que su visión me ha sobrecogido, convencido de estar asistiendo a la construcción de un destino singular y admirable.
Comienza este EP con un sueño que relata algo tan real como la implacable rutina diaria, un melancólico piano al que se van uniendo guitarra, percusiones, arreglos de cuerda y viento que acaban convirtiendo el tema a ratos en música festiva, a ratos en música sombría (“Todos hacemos aquello que nos prometimos no hacer más, nunca más, en nuestra vida. Bajo el sol, las máquinas por todas partes y en cada sombra, un ruido agudo y penetrante"). ‘Un ayer’ nos habla de los recursos (reales o irreales) que a veces se utilizan para refugiarse de las tormentas emocionales, para despegarse de los momentos malos y sentirse (aunque no siempre sea cierto) a salvo. La guitarra de Abel Hernández, la bateria de Xavi Molero, el piano, teclados y arreglos de Raúl Fernández “Refree”, una trompeta solitaria, unos vientos y cuerdas desgarradores que golpean contra unos silencios escalofriantes nos llevan de modo magistral y sin piedad de la resignada calma tras la destrucción al feroz reconocimiento de que ‘somos salvajes’ (“y los salvajes miramos adelante y no hacia atrás”). ‘Gorilas en la niebla’ nos introduce en una casa rodeada de naturaleza y lluvia, que simplemente actúa como decorado de una añorada relación, convirtiéndose en claustrofóbica con la ayuda de una monótona guitarra y vertiginosa con la progresiva adición instrumental. Y de la intimidad a la multitud, pero una multitud asustada que huye despavorida de ‘El señor de las bestias’, un monstruo humanizado como en las mejores películas de terror, que “gime y tiembla mientras tú, sin darte cuenta, te quedas quieta, miras al sur”, envolviendo todo el relato con múltiples variaciones sonoras, desde la incertidumbre, el miedo y la angustia, a la pena, la esperanza y el júbilo de conseguir despertar la sensibilidad de la bestia.
Es una obra corta pero intensa, en la que se perciben ecos e influencias múltiples, sabiendo que el conocimiento del pasado es la mejor base para un presente perdurable y la mejor manera de que la personalidad y originalidad tengan sentido. Quizás peque un poco de excesiva, dando la impresión en ocasiones de mostrar demasiadas caras al mismo tiempo, perdiéndose la definición de los detalles, ocultos entre múltiples capas de maquillaje. Pero ello no impide, en ningún momento, ver que lo que tenemos delante es algo grandioso, y que debajo de la piel del oso se halla un ser humano con dones especiales.
En su siguiente EP, “Canciones gringas” (2006), vuelve a dar en el clavo con cuatro versiones ('These Days' de Jackson Browne, 'Look What the Cat Drug In' de Michael Penn, 'Milk And Honey' de Jackson C. Frank y la tradicional 'I Was Young When I Left Home' basada en la versión de Bob Dylan) que convierte en cuatro nuevas creaciones cargadas de originalidad e inspiración, con un nivel en las letras dificilmente igualable, dotando de dignidad y la categoría que se merece el oficio de versionar, tantas veces vilipendiado. Personalmente consideraba a Miguel Angel Villanueva como el mejor adaptador de canciones anglosajonas al castellano. Desde que he escuchado las versiones de Abel Hernández ya son dos los artistas que considero merececedores de dicho título, sumándose en el caso de El Hijo su profunda y seductora voz, y ya que estamos en plan puntuaciones, para mi la mejor voz del panorama pop-folk-rock... estatal.
Anuncia en su página web que ya está terminado el primer álbum y que será editado esta primavera por Acuarela, el mismo sello que ha publicado sus anteriores trabajos. Siempre me han atraído más los libros con pocas páginas, en la música también he tenido siempre un especial cariño a los formatos pequeños (single, ep), pero cuando se trata de algo con mucha calidad... sólo pienso en lo largo que puede ser el disfrute. Ilusión es la palabra que mejor define la espera de la nueva obra.
Mientras tanto podeis escuchar alguna de sus canciones en su myspace
Ignacio Gasca, de nombre artístico Poch, inició su andadura musical en San Sebastián, a finales de los setenta, con La Banda Sin Futuro, influenciado poderosamente por las nuevas tendencias del punk y la New Wave. De mente inquieta y rebelde fue uno de los principales artistas que dieron origen a la 'Movida' en nuestro país. Compaginaba las actuaciones de la banda, en la que cantaba y tocaba la guitarra, con frecuentes viajes a Madrid, donde formaba parte de los míticos Ejecutivos Agresivos, tocando también de vez en cuando en el metro para sacarse algún dinero. A finales de 1981, junto con Alejo Alberdi, compañero en La Banda Sin Futuro, decidieron trasladarse definitivamente a Madrid para formar Derribos Arias, grupo con el que obtuvieron sus mayores éxitos y que se acabó convirtiendo en referencia indispensable para la historia de la música de los 80.
Aunque su mayor repercusión la haya conseguido con Derribos Arias he decidido comentar este disco, que pertenece a su época en solitario después de la disolución del grupo, porque le tengo especial cariño, y más que al disco completo a una canción en particular, la que abre el álbum, “Como uña y carne” (A.Alberdi-Poch), ha sido una canción que al escucharla por primera vez se convirtió en mi favorita del disco, pero sería al ver una actuación de Poch en TV interpretándola, cuando logró ponerme los pelos de punta; traspasando la pantalla, sus expresiones y palabras unidas sobre todo al sencillo pero efectivo sonido de guitarra acústica, cobraron tal fuerza y golpearon de tal modo mi sensibilidad que pasaron a formar parte de las experiencias imborrables de mi vida.
Las letras de Poch, su música, su forma de cantar, indican claramente que estamos ante una forma muy personal de ver las cosas, rozando siempre los límites de lo racional, adentrándose más allá de lo tangible, llegando a ser tan importante lo que se ve y se escucha como lo que se adivina y se siente. Lo más importante no es sólo lo que dice o como lo dice, sino las sensaciones que todo ello produce en nosotros. Agarrado fuertemente a la realidad y a su tiempo nos transporta facilmente a lo irreal e intemporal; echando mano de una personal visión infantil e intrascendente logra airear y ventilar problemas y defectos habitualmente camuflados.
Otras canciones de este álbum son ‘El party’, con mezcla de ritmos rock-swing-cabaret-chachachá, convidándonos (previa invitación, claro) a su fiesta en la que podremos tomar “champán de París, aguardiente, gin y ron y cola-cao de garrafón”. ‘Comes tu solita’ (J.Verdera-Poch), deudora de las guitarras afiladas de los 70, pide a alguien que dice quererle que se olvide de él. ‘To be or not to be’ (C.Borsani-Poch), música disco con arreglos, co-producción y teclados de Teddy Bautista, es una de las canciones compuestas para el musical “Ser o no ser”, junto con el tema ‘Dagas hambrientas’, puro pop-rock vitamínico de los 80, que también aparece en este disco. ‘Club de herpesviríticos’ trata en clave de humor el problema del sida, mezclando con originalidad rock, soul y guitarra española. ‘La playa’ intentaron lanzarla como la canción del verano, pero a pesar de sus posibilidades y de ser realmente pegadiza, la jugada no les saldría como habían planeado. ‘Protesta por los sucedáneos’ es otro clásico pop-rock jugando con la moda de las marcas. Y termina el disco con una versión del famoso tema de J.J.Cale ‘Cocaine’ (combinándolo con el 'Tico Tico', otro clásico, pero de la música brasileña), adaptando la letra al castellano de modo realmente inspirado.
Es de destacar en esta obra la amplia colaboración de Teo Cardalda (ex-Golpes Bajos y... prefiero olvidar el futuro...), participando tanto en los arreglos como tocando guitarras, teclados y bajo (este instrumento se lo reparten entre él, Juan Verdera y Marco Rosa), siendo responsable, junto con Peter McNamee, de aciertos (muchos) y desaciertos (que también los hay).
Sin duda la mezcla sin prejuicios tanto en la música como en las letras, junto con su peculiar modo de ver la vida, han sido uno de los mayores distintivos de este peculiar artista en su breve pero intensa, original, intuitiva y llena de aciertos carrera musical.
¿Qué Poch se ha vuelto a equivocar?... Era lo que necesitábamos.
“Creo que al cabo del tiempo / De las cenizas del tabaco / Crecerán unos arbustos”.
Puedes encontrar información interesante sobre su vida y obra en esta completa página que con cariño ha realizado su compañero de grupo y aventuras Alejo Alberdi.
Despistan con su comienzo, uno no sabe si pretenden trasladarlo a otro lugar o a otra época, pasa la introducción y me avisan que me llevan de viaje, me hablan de paisajes y vuelos de pájaro, pero rapeando y con la mezcla musical me aferran fuertemente al presente y al asfalto, con la primera canción me es imposible elevar el vuelo; esforzándome sólo consigo llegar a ver la ciudad desde arriba o un parque solitario en medio del lluvioso invierno. Con ‘mi primer viaje’ ya logro situarme, empiezo a ver que no estaba tan perdido, empieza a resultarme familiar lo que me rodea, y me satisface comprobar que voy a coger un tren en el que encontraré gente que no busca destino, tan sólo cambiar. Se me acerca alguien y me dice que quiere estar conmigo, que simplemente quiere pasar un rato agradable, hay excesiva mezcla de ruídos alrededor, propongo marchar a otro lugar más tranquilo, pero los ánimos andan alborotados y nos pasamos antes por locales donde sirven momentos dulces envasados en recuerdos iluminados por luces de discotecas jamaicanas. Termina la fiesta, llega la resaca, y con ella una visión más dura y real de lo que nos rodea, las fachadas son más grises, la belleza y esperanza se vislumbran entre el abandono, el frío y la humedad; el cansancio tiene su encanto cuando logramos tumbarnos y cerrar los ojos. Quizás he debido esforzarme algo más, tienes razón cuando me dices que me falta valor, en el último momento siempre me echo atrás; aunque me veas callado, mi alma grita, grita incomprensibles deseos y parezco raro, pero simplemente soy un cobarde. La soledad nunca me abandona, vuelvo a encontrarme perdido, pero hay ocasiones en que acurrucarse entre el calor de las sábanas es suficiente para sentirse feliz por unos instantes eternos.
‘Mira, basta’ me permite alejarme un poco y ver el disco desde fuera, me estaba involucrando demasiado. Hablan de celos y de odio, me recuerdan a Fangoria. ‘Vete’ es otra de las canciones con melodías mágicas estilo Le Mans que abundan en este disco, ritmo soul-funky-pop-bossa nova y bonitos arreglos, trompetas, coros y palmas incluídos. ‘Recuerdo escolar’ es una versión de un tema de Lole y Manuel, lo tenían muy difícil con una voz como la de Lole, que tanto transmite, pero han logrado llevarla con dignidad a su terreno, conservando incluso la esencia flamenca. La espacial ‘Ven, ven, ven’ es una canción incluida en el primer single del nuevo proyecto de Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin (ex-Aventuras de Kirlian, Le Mans…), muestra clara de sus debilidades por la investigación en sonidos y producción. ‘Tu perrito librepensador’ tiene la contagiosidad de los ritmos reggae (vía Manu Chao y, como siempre, con mezclas de diversos estilos del siglo XX), que se imponen facilmente sobre la surrealista letra (personalmente la que menos me convence). De nuevo prefieren los sueños, vuelos e imaginación, en este caso más en la letra que en la música, con la ‘Costilla de Adán’. En ‘Su recuerdo’ vuelven a dar con el ‘click’ que convierte la canción en sustancia absorbible y a la mente en pura esponja, produciendo sensaciones altamente viscerales. No sé si existe el azar, si el destino o la casualidad, de lo único que no tengo dudas es de que estas canciones me han despertado sentimientos dormidos y eclipsado pensamientos rutinarios, abrigando con el calor de los sonidos momentos de invierno personal enlace al sello elefant enlace a myspace
Desde la infancia Miguel Angel Villanueva convive con discos, partituras e instrumentos musicales, que pasan a formar parte fundamental de su educación y evolución. Imitando a su hermano Pedro José, decide aprender a tocar la guitarra. Forma parte de diversos grupos y recorre parte de Europa tocando en los metros. A su vuelta y animado por los recientes sonidos de la "new wave" crea en 1979, junto con su hermano, el grupo con el que conseguirán grabar por primera vez, Los Auténticos. Se les unen, completando el combo, Juan Antonio Morcillo al bajo y Jesús Gimeno a la batería. Entre 1980-1984 logran editar un single ('La estrella' / 'Mi abuelo'), un maxi ('día tras día/'cállate ya'/'noche tras noche'), un casete con 16 canciones, diversas maquetas, grabaciones en la radio, actuaciones en Rockola, Zeleste o El Sol. Cuentan con un amplio repertorio y un sonido en directo del que se sienten orgullosos, más que con el de las grabaciones, que suenan en general muy flojas, aunque se percibe perfectamente el cuidado, cariño y calidad con el que tratan las voces y arreglos, con claras reminiscencias de grupos de los 60, si bien como gran coleccionista de discos es lógico que se mezclen multitud de influencias. Morcillo había decidido dejarles en1983 para formar 'Morcillo el Bellaco y los Rítmicos', siendo sustituido por Ximo Simó en el bajo. Sin mánager, sin promoción y la falta de interés (o desconocimiento) por parte de público y medios en general, les lleva a la inevitable disolución. En 1986 sacan un maxi 'El hombre cosa ama la lluvia', pero con el nombre de Los Plomos (deciden cambiar porque 'auténtico' se había convertido en una palabra excesivamente utilizada y con significados dudosos, eligiendo uno que no llegara a ponerse de moda, lo cual indica el rechazo que sienten hacia las modas pasajeras, y el amor por lo original y personal), que contiene tres temas con mayores influencias de garage y psicodelia, grabado por Miguel Angel y su hermano, junto con el batería Daniel Silvestre, quien seguirá con ellos en el siguiente proyecto, Los Brujos. Tras las malas experiencias y casi por necesidad deciden fundar el sello Discos Medicinales para editar el nuevo material con mayor libertad. Con el nuevo sello Miguel Angel desarrolla sus aptitudes como multi-instrumentista y productor. Pero como el gusanillo de componer y editar temas propios no le abandona, en 1990 saca nuevo miniLP, "A 36 Km. de ninguna parte" (Discos Medicinales) bajo el nuevo nombre de Los Brujos, aunque se trata de un proyecto en solitario con colaboraciónes esporádicas. Cinco temas instrumentales (Miguel Angel toca teclas, guitarra, el bajo en dos temas, y es autor de todas las composiciones), rompiendo de nuevo modas cuando casi nadie saca música instrumental en el pop-rock, pensando que siguen existiendo sentimientos complejos que sólo se pueden expresar con música. También editó como los Brujos el EP "Sombras" (Discos Medicinales, en el que incluía de nuevo temas cantados, sonando en la radio especialmente "Dias de ausencia y de cartón"), el mLP "Mentes Arborescentes" (Discos Medicinales), "Burbujas Sónicas" (Munster Records), "Hot Ones" (Animal Records, con Malcolm Scarpa tocando su guitarra), el Ep "Ellas Siempre Están Solas" (No Tomorrow, con la banda Shock Treatment de acompañamiento). En 1996 sale su primer trabajo en Rock Indiana, un EP dedicado a la figura de Francoise Hardy "Francoise"( con música de Pete Dello -Honeybus- en el tema que da título, y letra de M. A. Villanueva), al que seguirán, fruto de su buena relación con este sello, el single "Soy Transparente" y en 1998 por fin un CD/LP "Sin ver el sol", con canciones memorables y que obtendría muy buenas críticas en medios especializados. En el 2000 sale el que será su último trabajo como Los Brujos, el miniCD de versiones "Indirecto", con la colaboración de Santi Campos en los coros (las versiones y traducciones siempre han sido uno de sus puntos fuertes). Más maquetas, colaboraciones, temas para recopilatorios, fanzines, actuaciones, y en 2004 nos ofrece otra gran joya, de nuevo un álbum completo de canciones, "Ningún Cielo" (por diferencias de opinión con Rock Indiana es editado en su propio sello, Discos Medicinales), esta vez bajo su propio nombre, Miguel Angel Villanueva. Otro disco que se sitúa en tierra de nadie, fuera de cualquier moda actual, pero lleno de canciones pop perfectas, con sabores y olores de las mejores cosechas del pop de todos los tiempos, desde la psicodelia hasta el power pop, pasando por la canción de autor mezclada con orquesta y coros, con refulgentes destellos tanto hispanos como anglosajones. Abre el disco "Desde que no estás", en la que destacan ya los arreglos de cuerda y viento con los que Pete Dello ha colaborado en este álbum, la letra alude a imágenes a las que nos tiene acostumbrados Miguel Angel, soledad, silencio, sueños, recuerdos e imaginación, temas en los que es verdadero maestro. "Entre el cielo y el suelo", otra preciosa historia con ritmo saltarín y sencillas verdades ("entre el cielo y el suelo todo el juego está, tan sólo historias que la memoria borrará"). "Al amanecer" empieza con un suave punteado de guitarra y acompañamiento de teclados que va adquiriendo potencia a medida que transcurre el tema, intentando transportarnos a otra dimensión, tocando la teoría de los mundos paralelos ("tal vez todo esto es sólo un juego de la imaginación, y cada momento que ahora ves sucede luego en otra dimensión"). En un plano más terrenal "Verdades de alquiler" nos habla de ilusiones que se dan de bruces contra la realidad, cargada también de arreglos que visten con brillos una historia gris. "Los días que no volverán", tremendamente contagiosa, insiste en que el tiempo perdido no se puede recuperar, mientras nos avisa que nos vamos quedando rezagados y sin posibilidad de volver atrás. La psicodélica "Luna metálica" me recuerda al tema de Donovan "Hurdy Gurdy Man" por esas terminaciones con vibrato exagerado (aunque quizá Miguel Angel se haya inspirado en otro autor, con su vasta cultura musical es fácil que me equivoque). "Nubes" es más reposado, permitiéndonos volver a coger una breve bocanada de aire fresco ("hoy nosotros sin pensar, como nubes al nacer, circulamos hacia otro lugar, para no volver"). "Como agua de luna" con estribillo pegadizo recalca nuestra caducidad. "Oración a San Judas" pide, entre sonidos potentes y guitarras setenteras, protección y ayuda a este santo peculiar para salir bien parado en este mundo peculiar. "El 27 de nunca" es una de mis favoritas, unión perfecta entre música y letra, menos aprisionada entre los arreglos, vuela libre y deja flotar las imágenes que evoca ("...la cordura se junta con una extraña locura. Aquí está otra vez aquella vieja impresión, tu ausencia y mi obsesión... las historias que nunca ocurrirán se han revelado, y dicen que esta vez han sucedido"). Enlaza con el instrumental que no debe faltar en sus obras "Tiempo suspendido", para pasar con fuerzas renovadas y con ganas de dejarlo claro, entre punteos y acompañamientos dignos de pasar al recuerdo, a contarnos que cada uno tiene que cargar con su "Infierno personal". "Miedo en la estación" está también cargada de punteos y ritmos contagiosos, más nueva olera, buenísima como single, pero un tanto perdida entre tanta canción impecable, y es que si de algo adolece este trabajo es de los escasos cambios de luz y color, siempre alrededor del mismo sol, pero con pocos accidentes que provoquen sombras y contrastes. Termina con la mejor elección posible para finalizar "Todos vamos perdidos", delicado y que te deja con ganas de volver a disfrutarlo.
Ha contado para esta ocasión con dos componentes del grupo Bronco Bullfrog, Andy Morten (batería) y Louis Wigget (bajo), así como con colaboraciones puntuales de Juan Antonio Ross.
No sabemos lo que tardará en sacar otro trabajo, pero seguro que algo está preparando, pues la impresión que da es que sin música se encuentra perdido y que la necesita como el aire para respirar (lo que se dice un artista puro). Espero que tenga más suerte y más repercusión con los próximos trabajos, nunca se sabe dónde está el momento de cada uno, pero lo más importante es que cualquier cosa que componga no tengo duda que será sincera y sentida (y por mi parte bien recibida y disfrutada).
- La presentación del disco “realidad” es de auténtico lujo (visual y emocional). Se nota el cariño no sólo por la música, sino también por el envoltorio, el mimo y encanto del diseño y los detalles ayudan a disfrutar todavía más de los temas. Háblanos de la colaboración de Camilo Franco (a quien has acompañado con la guitarra en la presentación de su libro “Palabras contadas”) en las originales historias del libreto sobre las canciones, así como de la interesante relación de cada canción del disco con temas clásicos de Neil Young, Bob Dylan, Tom Waits, Lucinda Williams...
Este disco ha sido el que más veces he escuchado durante las vacaciones de este verano. En la playa, de paseo o en la cama. En cada momento ha logrado transportarme a diferentes paraísos personales.
Este mes se ha publicado el nuevo trabajo “Las otras vidas”. Opino que desde que Abel Hernández ha empezado con el proyecto de 
Notándose claramente que todo está muy pensado y trabajado, hay una parte en la música de ‘En Medio del Llano” que me deja descolocado, sobre todo después de cantar “en la tarde sin tormenta” con los “extraños” acordes de piano. (¿Cuál ha sido la intención al tocar estas notas tan disonantes?).
¿Con qué parte del proceso sueles disfrutar más: en la composición, en la grabación o en las actuaciones en directo?
Abel Hernández, después de sus experiencias en grupos tan importantes e interesantes como Migala y Emak Bakia, decide emprender una nueva etapa, más personal e íntima, con este proyecto. Si hasta ahora las bandas en las que ha participado ya se caracterizaban por la búsqueda de caminos poco transitados, ha llegado a un punto del recorrido en el que ha sentido la necesidad de abrir por su cuenta una nueva ruta, introduciéndose en la maleza con las fuerzas, las ilusiones y los instrumentos necesarios para construir su propio camino y descubrir nuevos horizontes.
Ignacio Gasca, de nombre artístico Poch, inició su andadura musical en San Sebastián, a finales de los setenta, con La Banda Sin Futuro, influenciado poderosamente por las nuevas tendencias del punk y la New Wave. De mente inquieta y rebelde fue uno de los principales artistas que dieron origen a la 'Movida' en nuestro país. Compaginaba las actuaciones de la banda, en la que cantaba y tocaba la guitarra, con frecuentes viajes a Madrid, donde formaba parte de los míticos Ejecutivos Agresivos, tocando también de vez en cuando en el metro para sacarse algún dinero. A finales de 1981, junto con Alejo Alberdi, compañero en La Banda Sin Futuro, decidieron trasladarse definitivamente a Madrid para formar Derribos Arias, grupo con el que obtuvieron sus mayores éxitos y que se acabó convirtiendo en referencia indispensable para la historia de la música de los 80.
Más maquetas, colaboraciones, temas para recopilatorios, fanzines, actuaciones, y en 2004 nos ofrece otra gran joya, de nuevo un álbum completo de canciones, "Ningún Cielo" (por diferencias de opinión con Rock Indiana es editado en su propio sello, Discos Medicinales), esta vez bajo su propio nombre, Miguel Angel Villanueva. Otro disco que se sitúa en tierra de nadie, fuera de cualquier moda actual, pero lleno de canciones pop perfectas, con sabores y olores de las mejores cosechas del pop de todos los tiempos, desde la psicodelia hasta el power pop, pasando por la canción de autor mezclada con orquesta y coros, con refulgentes destellos tanto hispanos como anglosajones. Abre el disco "Desde que no estás", en la que destacan ya los arreglos de cuerda y viento con los que Pete Dello ha colaborado en este álbum, la letra alude a imágenes a las que nos tiene acostumbrados Miguel Angel, soledad, silencio, sueños, recuerdos e imaginación, temas en los que es verdadero maestro. "Entre el cielo y el suelo", otra preciosa historia con ritmo saltarín y sencillas verdades ("entre el cielo y el suelo todo el juego está, tan sólo historias que la memoria borrará"). "Al amanecer" empieza con un suave punteado de guitarra y acompañamiento de teclados que va adquiriendo potencia a medida que transcurre el tema, intentando transportarnos a otra dimensión, tocando la teoría de los mundos paralelos ("tal vez todo esto es sólo un juego de la imaginación, y cada momento que ahora ves sucede luego en otra dimensión"). En un plano más terrenal "Verdades de alquiler" nos habla de ilusiones que se dan de bruces contra la realidad, cargada también de arreglos que visten con brillos una historia gris. "Los días que no volverán", tremendamente contagiosa, insiste en que el tiempo perdido no se puede recuperar, mientras nos avisa que nos vamos quedando rezagados y sin posibilidad de volver atrás. La psicodélica "Luna metálica" me recuerda al tema de Donovan "Hurdy Gurdy Man" por esas terminaciones con vibrato exagerado (aunque quizá Miguel Angel se haya inspirado en otro autor, con su vasta cultura musical es fácil que me equivoque). "Nubes" es más reposado, permitiéndonos volver a coger una breve bocanada de aire fresco ("hoy nosotros sin pensar, como nubes al nacer, circulamos hacia otro lugar, para no volver"). "Como agua de luna" con estribillo pegadizo recalca nuestra caducidad. "Oración a San Judas" pide, entre sonidos potentes y guitarras setenteras, protección y ayuda a este santo peculiar para salir bien parado en este mundo peculiar. "El 27 de nunca" es una de mis favoritas, unión perfecta entre música y letra, menos aprisionada entre los arreglos, vuela libre y deja flotar las imágenes que evoca ("...la cordura se junta con una extraña locura. Aquí está otra vez aquella vieja impresión, tu ausencia y mi obsesión... las historias que nunca ocurrirán se han revelado, y dicen que esta vez han sucedido"). Enlaza con el instrumental que no debe faltar en sus obras "Tiempo suspendido", para pasar con fuerzas renovadas y con ganas de dejarlo claro, entre punteos y acompañamientos dignos de pasar al recuerdo, a contarnos que cada uno tiene que cargar con su "Infierno personal". "Miedo en la estación" está también cargada de punteos y ritmos contagiosos, más nueva olera, buenísima como single, pero un tanto perdida entre tanta canción impecable, y es que si de algo adolece este trabajo es de los escasos cambios de luz y color, siempre alrededor del mismo sol, pero con pocos accidentes que provoquen sombras y contrastes. Termina con la mejor elección posible para finalizar "Todos vamos perdidos", delicado y que te deja con ganas de volver a disfrutarlo.
